Världens bästa musik gör en resa till ett nöje! Samtidigt som musik är en subjektiv upplevelse så kan förstås låtar bedömas på samma sätt som filmer eller idrottsprestationer kan recenseras. På så vis är detta ett försök att utse de främsta låtarna i historien som även kan läsas som inspiration till att upptäcka ny musik. Här kommer världens 25 bästa låtar! 🎺🎸 ‣ Tillhörande spellista
25. John Mellencamp – Jack & Diane
”Jack and Diane” är en tidlös låt som släpptes av den amerikanska rockartisten John Mellencamp 1982. Låten blev en stor hit och är fortfarande en av hans mest kända låtar.
Låten berättar historien om två unga människor, Jack och Diane, som lever i en liten stad i Mellanvästern. Texten fångar den nostalgiska känslan av ungdom och frihet, och reflekterar över de drömmar och förhoppningar som unga människor har när de funderar över sin framtid. Medan låten är en hyllning till ungdomens drömmar belyser den också de utmaningar och den komplexitet som följer med att växa upp.
En av de mest minnesvärda raderna i låten är ”life goes on long after the thrill of living is gone”. Den här raden påminner oss om att även om vi alla längtar efter frihet och äventyr när vi är unga så går livet vidare och förändras efter ångdomsåren. ”Jack and Diane” är också känd för sin medryckande melodi och enkla refräng som alla kan sjunga med i. Låtens sound är starkt förknippat med 1980-talets amerikanska rock och har förblivit en ikonisk låt inom genren.
Sammanfattningsvis är ”Jack and Diane” en låt som talar till hjärtat hos många människor och påminner oss om värmen och komplexiteten i ungdomens drömmar och erfarenheter. Det är helt enkelt en tidlös klassiker som fortfarande spelas och älskas av musiklyssnare över världen.
24. Cornershop – Brimful of asha
Låten, släppt 1997, är en färgstark mix av indisk kultur och brittisk indierock och har på många sätt blivit en tidlös klassiker. Redan från de första taktslagen dras man in i en ”virvelvind” av ljud och känslor som får en att vilja dansa och sjunga med.
Titeln ”Brimful of Asha” refererar till den indiska playback-sångerskan Asha Bhosle, vars musik fyller låten med en omisskännlig glädje. Texterna är som en kärlekshyllning till musiken och dess förmåga att vara tröstande och inspirerande, och det är svårt att inte känna sig lyft av energin.
En intressant aspekt av låten är dess produktion. Cornershop valde att jobba med den legendariske producenten Norman Cook, även känd som Fatboy Slim. Hans inflytande är tydligt i låtens beat och sound, och en del av det som gör ”Brimful of Asha” så unik.
Låten blev en enorm framgång och nådde höga placeringar på musiklistor runt om i världen. Den har också fått nytt liv genom olika remixer och covers genom åren som bekräftar musikstyckets nutida varaktighet och relevans.
En annan intressant aspekt är låtens nostalgiska känsla. För många lyssnare är den förknippad med 90-talet och den kulturella mångfald som präglade den tiden. Låten är som en resa tillbaka till en era av förändring och experimentell utforskning.
Sammanfattningsvis är ”Brimful of Asha” inte bara en låt utan en resa genom ljudens och kulturens rika landskap. Den är en påminnelse om musikens förmåga att förena människor och skapa varaktiga minnen.
23. Dire Straits – Romeo and Juliet
”En kärleksberättelse i ackord”
Dire Straits, under ledning av den geniala Mark Knopfler, skapade denna pärla till deras album ”Making Movies” från 1980. ”Romeo and Juliet” är mycket mer än bara en sång och inte minst en berättelse som målar upp ett känslomässigt kollage av kärlekens nyanser.
Redan från de första ackorden dras vi in i en värld av melankoli och längtan. Knopflers karakteristiska fingerpicking-stil ger låten en intim känsla som om varje ton bär med sig ett fragment av en kärlekshistoria. Texterna berättar om den komplicerade och ibland smärtsamma resan för ett kärlekspar inspirerat av Shakespeare ikoniska verk och kulturuttryck.
Det som gör ”Romeo and Juliet” så speciell är dess förmåga att fånga känslor på ett sätt som går långt bortom ord. Mark Knopflers röst förmedlar en ärlighet och sårbarhet som gör att lyssnaren känner varje ögonblick av kärlekens glädje och sorg. Sången är som ett soundtrack till ett kärleksdrama där varje ton blir som ett penseldrag på en emotionell palett.
En annan aspekt som förtjänar uppmärksamhet är låtens subtila instrumentering. Dire Straits kombinerar elektriska och akustiska element på ett sätt som ger låten en tidlös kvalitet. De saxofonsolon, spelade av ingen mindre än den fantastiske Tommy Mandel, förstärker låtens redan starka atmosfär.
”Romeo and Juliet” har också bevarats genom åren genom olika covers och referenser i populärkulturen. Det vittnar om låtens universella tilldragande förmåga. När du hör ackorden av ”Romeo and Juliet” kan det vara svårt att inte sjunka in i dess känslomässiga förmedlande. Låten bjuder på en musikalisk resa som sträcker sig över tid och rymd där kärlekens magi kan göra sig påmind.
22. Bette Midler – Beast Of Burden
En tidsresa med Bette Midler
Bette Midler, den ikoniska sångerskan och skådespelerskan, har under årens lopp förtrollat oss med sin röst och sceniska närvaro. En av hennes mest minnesvärda tolkningar är låten ”Beast of Burden”, som fångar lyssnare med dess känsloladdade text och Midlers unika framförande.
”Beast of Burden” är alltså en låt skriven av Mick Jagger och Keith Richards från The Rolling Stones, och den släpptes för första gången 1978 på albumet ”Some Girls”. Bette Midler gjorde sin egen tolkning av låten 1983 på sitt album ”No Frills”. Hennes version är känt för att ge låten en ny dimension och för att låta henne sätta sin personliga prägel och skapa något unikt i en egen tolkning av denna klassiska låt.
När Bette Midler tar sig an sången gör hon det med en känslomässig intensitet och sårbarhet som verkligen gör låten till sin egen. Hennes röst, kraftfull och samtidigt ömtålig, lyfter fram textens djupare lager och skapar en stark anknytning med lyssnaren. Midler lyckas förmedla både sårbarheten och styrkan i låten på ett sätt som gör att man verkligen känner varje ord som uttrycks.
Texten handlar om en relation där en person känner sig utnyttjad och trött på att bära bördan av den andres känslomässiga bagage. Bette Midler fångar denna känsla av att vara utmattad och i behov av en paus på ett sätt som är gripande och äkta. Hennes tolkning förstärker textens känslomässiga resonans och gör låten till något mer än bara musik – den blir en berättelse om kärlek, slit och självupptäckt.
Även om hennes version av ”Beast of Burden” släpptes för över tre decennier sedan är dess budskap fortfarande lika relevant idag. Människor kan fortfarande relatera till känslan av att vara en ”beast of burden” i relationer och behovet av att sätta gränser för att bevara sin egen välbefinnande. Det är denna tidslösa relevans som gör att låten fortfarande talar till och berör lyssnare över generationer.
Avslutning:
Bette Midlers tolkning av ”Beast of Burden” är en resa genom tid och känslouttryck. Genom hennes röst och unika konstnärskap får låten nytt liv och blir något mer än bara en cover. Den blir en berättelse om mänsklig erfarenhet och känslomässig överlevnad.
21. Metallica – Whiskey In The Jar
Metallicas resa genom keltisk folklore
Metallica, ett av de mest inflytelserika heavy metal-bandet genom tiderna, har alltid varit känt för sin förmåga att utforska och omdefiniera gränserna för hårdrocksgenren. En av deras mest ikoniska låtar, ”Whiskey in the Jar,” tar lyssnarna med på en resa genom keltisk folklore.
”Whiskey in the Jar” är alltså en traditionell irländsk ballad som har existerat i olika former i århundraden. Historien kretsar kring en karaktär som rånar en militärsofficer och sedan bedras av sin älskade. Låtens rika narrativ och känsla för drama har gjort den till en tidlös favorit inom folkmusiken. Metallica släppte sin version som en singel 1998 och inkluderade den senare på sitt album ”Garage Inc.” Det är en perfekt symbios av Metallicas kraftfulla heavy metal-sound och den traditionella folkmusiken. Bandet har tagit den tidlösa balladen och gjort den till sin egen genom att lägga till tyngd och intensitet utan att förlora låtens keltiska arv.
Metallicas version av ”Whiskey in the Jar” är känd för sina explosiva gitarriff, kraftfulla trummor och James Hetfields karaktäristiska röst. Trots att låten är rotad i keltisk tradition har Metallica smidigt införlivat sina egna unika musikaliska inslag. Det är denna fusion av genrer som gör låten så dynamisk och minnesvärd. Låten förmedlar en djup känsla av passion och saknad. Hetfields röst bär med sig både desperationen och ångerfullheten i karaktärens öde. Musiken skapar en dramatisk klangvärld som förstärker den keltiska berättelsen och ger lyssnarna en upplevelse med förhöjd intensitet.
”Whiskey in the Jar” står som ett bevis på Metallicas förmåga att transcendera musikgenrer genom att omvandla en traditionell irländsk ballad till en episk heavy metal-upplevelse där Hetfields själfulla sång vittnar om en fusion av historisk kultur och musikalisk briljans.
20. Creedence Clearwater Revival – Up Around The Bend
Creedence Clearwater Revival (CCR) är ett band vars musik inte bara definierade en era utan fortsätter att prägla tidsaktuell gitarrmusik. En av deras mest minnesvärda låtar, ”Up Around The Bend,” bär med sig den karakteristiska CCR-stilen och förmedlar en känsla av frihet och äventyr.
Låten inleds med ett karakteristiskt gitarriff som genast fångar lyssnarens uppmärksamhet med ett lockande löfte om något stort och spännande som väntar runt hörnet ”up around the bend”. Denna enkla men kraftfulla inledning har blivit en signatur för låten och är ett av skälen till dess omedelbara igenkännlighet.
Låtens text skildrar en resa mot det okända och bortom den aktuella tidshorisonten. John Fogerty, bandets geniala låtskrivare och sångare, målar upp bilder av äventyr och möjligheter. Texten talar till vår inneboende längtan efter frihet och utforskning, och det är förmedlandet av denna universella strävan som gör ”Up Around The Bend” så tidslös.
CCR var kända för sitt distinkta sound som förenade rock, blues och country på ett sätt som var både rått och förförande. ”Up Around The Bend” är inget undantag. Låtens energi och rebelliska anda fångar andan av 1970-talets motkultur och gör den till en hymn för dem som längtade efter förändring och frihet.
Trots att låten först släpptes 1970 så fortsätter dess teman att vara relevanta. Längtan efter att bryta sig fri från det vardagliga och utforska nya horisonter är något som människor i alla åldrar kan relatera till. ”Up Around The Bend” blir därmed en ljudspår för livets ständiga utforskanden och strävan.
Utöver att Creedence Clearwater Revival lämnade en varaktig påverkan på rockhistorien är ”Up Around The Bend” är ett utmärkt exempel på bandets musikaliska arv. Låten har fortsatt att dyka upp i filmer, TV-program och reklam, och dess tidlösa karaktär gör den till en favorit bland nya generationer av musikälskare. ”Up Around The Bend” är inte bara en låt utan en känslomässig resa och ett soundtrack för ögonblick då vi känner oss inspirerade att och följa våra drömmar. Det karakteristiska gitarriffet och John Fogertys ikoniska röst låter lyssnaren att förflyttas tillbaka till den tid av frihet, förändring och musikalisk briljans som endast Creedence Clearwater Revival kan förmedla.
19. Wyclef Jean – Perfect Gentleman
Den mångsidige artisten och låtskrivaren Wyclef Jean har genom åren levererat musik som passerar gränser mellan musikgenrer. En av hans mest minnesvärda låtar, ”Perfect Gentleman,” är en färgstark sammanfogning av hiphop, reggae och pop som inte bara fångar örat utan tar lyssnarna med på en resa av kulturell mångfald och elegans.
”Perfect Gentleman”, släppt år 2001 som en singel från Wyclefs album ”Masquerade” är ett mästerligt exempel på artistens förmåga att blanda musikaliska influenser. Låten smälter samman karibisk reggae, hiphopens rytmer och popens tillgänglighet på ett sätt som gör den unik och lättillgänglig för ett stor lyssnarskara.
Texten är en festlig skildring av en man som förstår vikten av att vara gentleman i varje situation. Med en humoristisk ton och en livfull framtoning lyckas Jean skapa en sång som är både medryckande och med en tydlig känsla av lekfullhet. En av de mest anmärkningsvärda aspekterna av ”Perfect Gentleman” är dess kulturella rikedom. Wyclef Jean, som är född på Haiti, införlivar karibiska rytmer och influenser i låten. Detta ger en autentisk känsla av kulturell identitet samtidigt som det öppnar upp för lyssnare att utforska och uppskatta olika musikaliska traditioner.
Wyclef Jean visar sin musikaliska bredd genom att sjunga på både engelska och kreativt blandat kreoliska och spanska fraser. Denna flerspråkiga aspekt förstärker låtens internationella appeal och understryker ytterligare Wyclefs vilja att bryta ner språkliga och kulturella barriärer genom musiken. Wyclef Jean har skapat en musikupplevelse där olika influenser smälter samman och skapar något som är större än summan av sina delar.
18. Imperiet – Var E Vargen
Imperiet, det svenska rockbandet som präglade det samtida svenska 80-talet, presenterade oss för en mängd unika och minnesvärda låtar. En av deras mest ikoniska spår, ”Var E Vargen”, är en kraftfull ballad som fångar essensen av bandets musikaliska bredd och poetiska skicklighet.
Låten släpptes 1986 som en del av albumet ”Blå Himlen Blues”. Texten är skriven av Joakim Thåström, bandets framstående sångare och låtskrivare. Låten är känt för sitt poetiska språk och starka narrativ, vilket skapar en känslomässig resonans som har stått tidens prövningar.
Thåström är känd för sin poetiska skrivstil och ”Var E Vargen” är inget undantag. Texten utforskar teman som längtan, sorg och en känsla av hemlöshet. Genom bilder och metaforer skapar Thåström en känsla av melankoli som genomsyrar varje rad och gör låten till en djupt personlig och känslosam upplevelse.
Imperiets musikaliska bredd är tydlig i ”Var E Vargen”. Med sina mångsidiga ljudlandskap och dynamiska arrangemang skapar bandet en känsla av som passar perfekt med textens innehåll. Den melodiösa gitarrspelet och Thåströms karakteristiska röst smälter samman till en ljudupplevelse som är lika minnesvärd som gripande.
Låten innehåller många symboliska element och titeln ”Var E Vargen” bär på en mystik som öppnar upp för olika tolkningar. Vargen kan representera frihet, längtan eller till och med en inre kamp. Denna mångfacetterade symbolik gör låten öppen för tolkning och skapar en känsla av djup och komplexitet.
Tidslös Relevans:
Även om ”Var E Vargen” släpptes för över tre decennier sedan, har dess budskap och känsla av existentiell längtan förblivit relevant. Det är denna tidlösa kvalitet som gör Imperiets musik och speciellt ”Var E Vargen” till något mer än bara en del av 1980-talets musikaliska arv.
”Var E Vargen” är en konstnärlig utforskning av mänskliga känslor och existentiella frågor. Imperiets förmåga att kombinera poetiska texter med kraftfull musik skapar en låt som går bortom tidens gränser och fortsätter att beröra och inspirera lyssnare genom åren.
17. The Four Tops – Loco In Acapuloco
Inom musikvärlden av soul och R&B finns det vissa låtar som står ut och blir tidlösa klassiker. En sådan pärla är ”Loco In Acapulco” av The Four Tops. Den här låten bär på en speciell magi som har förmågan att föra lyssnaren till en plats av passion och mystik.
”Loco In Acapulco” släpptes 1988 och är mest känt för att vara en del av soundtracket till filmen ”Buster” baserad på historien om den brittiska tågrånaren Buster Edwards. Låten var skriven av Phil Collins och Lamont Dozier, och det var en perfekt fusion av Collins poppiga influenser och The Four Tops’ distinkta soulvibbar. Gruppen, bestående av Levi Stubbs, Abdul ”Duke” Fakir, Renaldo ”Obie” Benson och Lawrence Payton, hade en enastående karriär och ”Loco In Acapulco” visade sig vara ett fantastisk senare tillskott till deras repertoar.
Med pulserande rytmer och fängslande refräng känns ”Loco In Acapulco” som en brygga mellan soulens guldålder och 80-talets pop. The Four Tops lyckades behålla sin autentiska soulkänsla samtidigt som de anpassade sig till den samtida musikaliska smaken. Levi Stubbs röst skär genom musiken och förhöjer låtens intensitet till nya höjder.
Text är som en berättelse om passionens starka vindar och den förlorade kärleken. Med innehåll som ”Somebody tell her I love her” och ”Acapulco nights, they were so bright” skapar låten en atmosfär av längtan och önskan. Det är som om varje ord är målat med känslor och varje ton bär på en berättelse om hjärtesorg och längtan.
”Loco In Acapulco” har inte bara stått tidens prövningar utan fortsätter också att påverka musikälskare världen över. Dess kraftfulla sound och tidlösa text har gjort den till en av de låtar som kommer att leva vidare genom kommande generationer.
I sammanfattning är ”Loco In Acapulco” inte bara en låt utan en upplevelse. Den tar oss med på en resa genom tid och känslor. The Four Tops har gett oss en odödlig pärla som fortsätter att berika vår musikupplevelse och påminna om soulens tidlösa arv.
16. Bob Dylan – Series of Dreams
Dylan har levererat låtar som har satt avtryck i årtionden. Ett sådant exempel från Dylans omfattande katalog är den konstnärliga pärlan ”Series of Dreams”.
Denna låt släpptes ursprungligen 1991 som en del av Bob Dylans samlingsalbum ”The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961–1991”. Låten fångar honom vid en tidpunkt i hans karriär när han reflekterade över sitt förflutna och utforskade teman som drömmar och längtan. Trots att den inte ursprungligen var tänkt att finnas med på ett officiellt album har ”Series of Dreams” blivit en av Dylans mest älskade skapelser.
En av de mest anmärkningsvärda aspekterna av ”Series of Dreams” är dess ljudlandskap. Låten öppnar med en gitarr som skapar en unik ljudatmosfär samtidigt som Dylans karakteristiska raspiga röst sveper över ackorden. Instrumentationen är en mästerlig blandning av melankoli och hopp, och varje ton bidrar till att måla upp en känslomässig palett som griper tag i lyssnaren.
Texten till ”Series of Dreams” är som en poetisk resa genom Dylans sinnelag. Han målar upp bilder av drömmar som flyter genom tid och rum och varje vers öppnar upp nya lager av tolkning.
”Series of Dreams” är en låt som trotsar tidens tand. Dess teman av existentiell reflektion och drömmarnas kraft är universella och resonerar över generationer. Den påminner oss om Dylans förmåga att skapa musik som inte bara lever i ögonblicket utan också åldras som fina viner. ”Series of Dreams” är en låtskatt som bjuder in lyssnaren till en personlig resa genom drömmar och minnen.
15. Def Leppard – Two Steps Behind
Def Leppard, kända för sina tidlösa rocklåtar, skapade också musik som kunde beröra på en djupare nivå. En sådan låt som står ut i deras repertoar är balladen ”Two Steps Behind”. Låten släpptes ursprungligen 1993 som en del av soundtracket till filmen ”Den sista actionhjälten”. Låten fångar Def Leppards förmåga att skapa kraftfulla rockballader med starka melodier och meningsfulla texter. I kontrast till bandets mer hårda rocklåtar visar ”Two Steps Behind” upp deras mångsidighet och förmåga att skapa musik som når över genrer och berör lyssnare på djupet.
Låten inleds med akustiska gitarrackord som skapar en mjuk och inbjudande atmosfär. Joe Elliotts röst, fylld med känslor av sårbarhet, leder lyssnaren genom varje vers och refäng med en enastående närvaro. Bandets förmåga att väva samman akustiska och elektriska element ger låten en dynamisk känsla som gör den både rörande och kraftfull.
”Two Steps Behind” är fylld med text som talar till kärlekens nyanser och prövningar. Raderna ”Walk away if you want to / It’s okay, if you need to” förmedlar en känsla av förlåtelse och förståelse i en relation. Låten uppmanar till att stå vid varandra och stödja varandra, oavsett vilka prövningar som kan komma ens väg. Det är en ärlig och innerlig skildring av kärlekens uthållighet.
Låten har stått emot tidens prövningar och förblir en av Def Leppards mest älskade låtar. Dess tidlösa budskap om kärlek och stöd gör den relevant över årtionden och ger den en plats i hjärtat hos både långvariga fans och nya generationer av musiklyssnare.
Def Leppards ”Two Steps Behind” är en påminnelse om bandets konstnärliga djup och förmåga att beröra lyssnare på en personlig nivå. Med dess enkla skönhet och kraftfulla texter står låten som ett monument över kärlekens uthållighet och det tidlösa sound som Def Leppard fortsätter att leverera till en global publik.
Akustisk version
Elektrisk version
14. Cher – Just Like Jesse James
Cher, en av popens ikoner, har under årtionden charmat världen med sin unika röst och förmåga att skapa låtar som står ut. En sådan låt som exemplifierar Chers energi och scenpersonlighet är ”Just Like Jesse James”. Låten släpptes 1989 som en del av Chers album ”Heart of Stone” och fångar Chers karaktäristiska mod och självständighet. Den är en hyllning till den legendariska westernhjälten Jesse James men sätter också Chers egna starka personlighet i centrum.
Med kraftfull gitarrinspelning och en rytmisk grund skapar låten ett sound som omedelbart fångar lyssnarens uppmärksamhet. Cher sjunger med en självsäker ton som ger låten en tydligare attityd än hennes mest kända verk. Den kreativa produktionen och det energifyllda arrangemanget gör ”Just Like Jesse James” till en oförglömlig ljudupplevelse och låtskatt.
Texten till låten är en lekfull hyllning till det förbjudna och det mystiska, och den använder referenser till Jesse James för att förstärka känslan av äventyr och spänning. Cher sjunger om en kärlek som är lika farlig och fascinerande som den berömda brottslingen, och detta tema förstärker låtens dragningskraft.
Chers framträdanden är kända för att vara lika spektakulära som hennes musik, och ”Just Like Jesse James” är inget undantag. Låten har blivit en ”stapelvara” i Chers liveframträdanden och är ett lysande exempel på hennes förmåga att föra samman musikalisk talang med en stark scenpersonlighet.
”Just Like Jesse James” har inte förlorat sin glans med tiden. Dess energi och attityd gör den lika relevant och kraftfull idag som när den först släpptes. Cher har visat att hennes musik inte bara är ögonblickets njutning utan också en tidlös del av pophistorien.
Chers ”Just Like Jesse James” står som en hyllning till självständighet och passion. Med sitt kraftfulla ljudlandskap och levande text är låten en påminnelse om Chers osvikliga närvaro i musikvärlden. Genom årtionden har Cher fortsatt att imponera och inspirera, och ”Just Like Jesse James” är ett fantastiskt exempel på hennes konstnärliga storhet.
13. Poison – Fallen Angel
Rockmusiken på 1980-talet var präglad av högt tempo, vilda scenshower och en överflödande attityd. Poison, en av de mest framstående glamrockbanden från den eran, levererade inte bara hits utan skapade också minnesvärda ballader. En sådan låt som bär på en känslomässig laddning och rock’n’roll-känsla är ”Fallen Angel”.
Låten släpptes 1988 som en del av Poisons album ”Open Up and Say… Ahh!” då bandet redan hade redan etablerat sig som en kraft att räkna med inom glamrockgenren. ”Fallen Angel” visade en annan sida av bandets konstnärlighet genom att erbjuda en tidlös rockballad mitt i den glamorösa rock’n’roll-cirkusen.
”Fallen Angel” öppnar med en ömsint akustisk gitarr och Bret Michaels röst tränger igenom ljudbilden med en stark och känslosam framtoning. Låtens arrangemang är dynamiskt och bygger upp till ett kraftfullt klimax där elektriska gitarrer och passionerad sång skapar en unik ljudupplevelse. Det är en välavvägd kombination av mjuka melodier och rockens energi.
Texten till ”Fallen Angel” belyser den mörkare sidan av rock’n’roll-livsstilen och speglar en ömhet och oro för dem som har förlorat sig själva i överflöd och excesser. Låten fångar på så sätt den dualitet som ofta följer med framgång och berömmelse. Genom att blanda glamorösa bilder av scenens glans med en mer sårbar och mänsklig berättelse, blir låten en hyllning till dem som kämpar med de baksidor som kan följa med rockstjärnelivet.
Även om ”Fallen Angel” är rotad i 1980-talets glamrocksscen så bär den på en tidlös berättelse som fortfarande står sig inom rockens förlovade musikgenre. Den påminner oss om den mänskliga sidan av rockikonerna och reflekterar över de prövningar som följer med livsstilen.
Poisons ”Fallen Angel” är en oförglömlig ballad som går bortom det glamorösa ytan och utforskar de känslomässiga djupen av rockmusikens värld. Med sin starka sång, känslosamma text och kraftfulla ljudlandskap står låten som en påminnelse om den komplexitet och mänsklighet som gömmer sig bakom rockens yttre.
12. Michael Jackson – Man in the mirror
Michael Jackson, ”King of Pop”, har gett världen en lång rad oförglömliga låtar. En av dessa låtar som inte bara fångar den musikaliska genialiteten hos denna ikon utan också bär en djupare budskap är ”Man in the Mirror från Michael Jacksons ikoniska album ”Bad” från 1987. Låten, skriven av Siedah Garrett och Glen Ballard, skiljer sig från många av Jacksons tidigare hits genom sitt fokus på socialt ansvar och behovet av personlig förändring. Med sin kraftfulla melodi och Jacksons gripande framförande har låten blivit en hymn för förändring och positivt inflytande.
Låtens inledande klaviatur ackompanjeras av en mjuk stråksektion och Jacksons välkända och svåröverträffade sångröst. Den melodiska uppbyggnaden skapar en känsla av högtid och allvar som passar perfekt med låtens budskap. Mot slutet av låten kulminerar arrangemanget i en triumferande körsång som ger en känsla av enhet och solidaritet.
”Man in the Mirror” är känt för sina kraftfulla och självreflekterande texter. Låten utforskar temat av att börja förändringen med sig själv för att skapa en bättre värld. Raderna ”If you wanna make the world a better place / Take a look at yourself and make a change” blir som en uppmaning till lyssnaren att reflektera över sitt eget liv och agera för att göra skillnad.
Låten går bortom underhållning och tjänar som ett verktyg för socialt medvetande. Michael Jackson var känd för sitt engagemang i humanitära frågor och ”Man in the Mirror” är ett uttryck för hans strävan efter att inspirera till en positiv förändring i samhället. Budskapet om personlig ansvarighet och förändring är lika kraftfullt i sin enkelhet idag som det var vid låtens ursprungliga släpp och fortsätter att nå fram till miljontals lyssnare världen över.
”Man in the Mirror” står som ett monument över Michael Jacksons konstnärliga arv och sociala medvetenhet. Med sin tidlösa musik och text finns låten som en påminnelse om musikens inverkan på samhället och tidsandan.
11. 2Pac – Changes
2Pac, en av de mest inflytelserika och ikoniska hiphopartisterna genom tiderna, skapade musik som inte bara var underhållande utan också fylld av djupa reflektioner. En sådan låt som står ut i hans omfattande katalog är ”Changes” som släpptes postumt 1998 och bygger på ett tidigare inspelat stycke av Bruce Hornsby. Låten fångar 2Pacs frustration över sociala och ekonomiska orättvisor, rasism och polisbrutalitet. Genom sina poetiska texter och autentiska leverans ger 2Pac en röst åt många som kämpar mot samhällets obalans.
”Changes” öppnar med en sample från Hornsbys ”The Way It Is” och införlivar mjuka pianoackord och en suggestiv basgång. Det lugna ljudlandskapet fungerar som en bakgrund för 2Pacs starka och känslosamma röst. Genom låtens gång används samplingar för att ytterligare förstärka det kraftfulla budskapet.
Texten till ”Changes” är som en öppen bok som belyser de samhällsproblem som 2Pac kämpade emot. Han diskuterar problem som kriminalitet, drogmissbruk och diskriminering och reflekterar över den svåra verklighet som många människor i samhället möter. Raderna ”And still I see no changes / Can’t a brother get a little peace?” förmedlar en känsla av frustration över de begränsade framstegen mot rättvisa.
Låten är samtidigt inte bara en kritik av samhällets orättvisor utan också en uppmaning till självreflektion. 2Pac uppmanar lyssnarna att börja förändringen inom sig själva för att skapa en bättre framtid. Budskapet är kraftfullt och kräver att var och en tar ansvar för sitt eget agerande och bidrar till en positiv samhällsutveckling. Dess textuella innehåll ringar sannare än någonsin och fortsätter att inspirera en ny generation av lyssnare att tänka på och engagera sig i samhällsfrågor. Låtens universella teman gör den till en av 2Pacs mest minnesvärda och kraftfulla verk.
10. Guns N’ Roses – Paradise city
Guns N’ Roses levererade i slutet av 1980-talet en av sina mest ikoniska låtar – ”Paradise City”. Som en del av deras debutalbum ”Appetite for Destruction” är det en oförglömlig resa genom deras unika gitarrsound och textens djup. Bandet, bestående av Axl Rose, Slash, Izzy Stradlin, Duff McKagan och Steven Adler, etablerade sig som rockgiganter med en unik blandning av hårdrock, blues och punk. Låten blev snabbt en ikonisk del av deras repertoar och har sedan dess fortsatt att vara en favorit bland rockfans världen över.
”Paradise City” öppnar med det karakteristiska gitarrintro som omedelbart fångar lyssnarens uppmärksamhet. Låten bjuder på en kraftfull kontrast mellan de explosiva gitarriffen och de melodiösa partierna. Slashs ikoniska gitarrsolon och Axl Roses kraftfulla röst skapar tillsammans en ljudbild som går bortom genrer och förblir en integrerad del av rockhistorien.
Texten till ”Paradise City” reflekterar över en längtan efter ett bättre liv och en plats som kan erbjuda tröst och harmoni. Raderna ”Take me down to the paradise city where the grass is green and the girls are pretty” fångar en önskan om att finna ett paradis bortom vardagens utmaningar. Låten blir på så sätt en symbol för den gemensamma strävan om något bättre.
”Paradise City” har inte bara blivit en ikonisk rocklåt utan har också blivit en del av den bredare populärkulturen. Den har används i filmer, TV-program och sportevenemang och har blivit synonymt med Guns N’ Roses själva. Dess refräng har blivit en sådan musikalisk symbol att den känns igen omedelbart av människor även de som inte är förankrade inom rockmusiken.
Med sitt kraftfulla sound och Axel Roses unika sångröst har låten blivit en odödlig klassiker som påminner om de tillfällen vardagen är förgylld och musiken är tidlös. Låten fortsätter att attrahera nya generationer av musikälskare och har behållit sin dragningskraft över decennier.
9. Poison – Every Rose Has Its Thorn
I rockens värld har ballader en speciell plats och en låt som utmärker sig inom glamrockgenren är Poison’s ”Every Rose Has Its Thorn”. Denna känslosamma ballad är inte bara en hyllning till kärlek utan också en gripande berättelse om hjärtesorg och en kärlekshistoria i slow motion. Texten skildrar den smärtsamma processen när kärleken kan såra och låtens centrala tema är förlusten av en kärleksrelation. Raderna ”Every rose has its thorn just like every night has its dawn” fångar den komplexa dualiteten av kärlek och förlust. Låten släpptes 1988 som en del av Poison’s album ”Open Up and Say… Ahh!”.
”Every Rose Has Its Thorn” inleds med en mjuk akustisk gitarrmelodi och Bret Michaels som levererar texten med en sårbarhet som genomsyrar hela inspelningen. Den öppna och rika musikaliska arrangemanget ger utrymme för varje känslouttryck och förstärker låtens emotionella slagkraft samtidigt som gitarrsolot bryter igenom mellanspelet och lägger till en ytterligare dimension av intensitet.
Denna ballad har stått emot tidens tand och behåller sin betydelse över årtionden. Dess sanning och ärlighet när det gäller kärlekens komplexitet gör den till en låt som fortsätter att omfamnas av nya generationer som upplever liknande känslor av glädje och sorg. En påminnelse om tidens flyktighet och att kärlekens ros också kan bära sina taggar. Genom dess hjärtskärande text och känslomässiga ljudlandskap tar låten oss med på en resa genom kärlekens komplexa terräng. Det är en ballad som, trots årens gång, fortsätter att blomstra som en tidlös och gripande historia om livets komplexa kärleksfulla och samtidigt smärtsamma natur.
Otippad cover av Bret Michaels & Miley Cyrus
8. Skid Row – I Remember You
Skid Row, en av de mest framstående hårdrocksbanden under 1980-talet, levererade inte bara kraftfulla låtar utan också känslosamma rockballader. En av dessa tidlösa ballader är ”I Remember You” som släpptes 1989 som en del av Skid Rows självbetitlade debutalbum och blev en av deras mest älskade och minnesvärda bidrag till rockmusiken.
Låten öppnar med en mjuk akustisk gitarr och Sebastian Bachs kraftfulla men samtidigt känslomässiga röst. Det lugna ljudlandskapet skapar en atmosfär av öppenhet och sårbarhet. När låten utvecklas så intensifieras arrangemanget gradvis med elektriska gitarrer och en känsloladdad sång som kulminerar i ett oförglömlig gitarrsolo.
”I Remember You” är en kärlekshistoria som bär på en stark känsla av nostalgi. Texten fångar minnen av en förlorad kärlek och uttrycker längtan och saknad. Textraderna ”Remember yesterday, walking hand in hand, love letters in the sand, I remember you” fångar på ett vackert sätt den sentimentalitet och längtan som genomsyrar låten.
Låten har dykt upp i filmer, TV-program och har blivit en del av den bredare populärkulturen. Den har även inspirerat många band och artister och har cementerat sig som en av de främsta balladerna inom hårdrocksgenren. Låtens enkla och ärliga uttryck av kärlek och förlust gör den till en universell berättelse som fortsätter att gripa tag i lyssnare och står som en påminnelse om hårdrockens känslomässiga djup. Genom dess starka melodier och rörande text har låten blivit en klassiker och förblir ett kraftfullt vittnesbörd om bandets musikaliska talang och bidrag till rockmusikens rika historia.
7. David Bowie – Heroes
David Bowie, en av rockens mest ikoniska och mångsidiga artister, skapade verk som stod över tidens prövningar. En sådan låt som inte bara har överlevt utan också blivit en hymn för styrka och mod är ”Heroes” som släpptes 1977. Låten kom till under en period av stor kreativitet för Bowie och medproducenten Brian Eno. Inspelningen skedde i Berlin och ”Heroes” blev en av de mest minnesvärda låtarna från den kritikerrosade ”Berlintrilogin”. Bowie skrev låten som en hyllning till kärleken och modet hos två älskande som möts vid Berlinmuren.
Låten öppnar med en distinkt och pulserande gitarrloop, skapad av gitarristen Robert Fripp. Den repetitiva karaktären av loopen ger låten en hypnotisk kvalitet som förlänger känslan av öppenhet och rymd. Bowies sång är passionerad och fylld av känslor där texten fångar känslan av förbjuden kärlek och modet som krävs för att kämpa för den. Raderna ”We can be heroes, just for one day” har blivit en ikonisk uttryck för ögonblickets kraft och förmågan att övervinna hinder, även om det är tillfälligt. Bowie lyckas konstfullt skildra känslor av hopp och överlevnad, vilket gör låten allmängiltig och rörande.
”Heroes” har gått bortom musiken för att bli en del av den bredare populärkulturen. Låten har använts i filmer, reklamkampanjer och sportevenemang och har blivit en symbol för överlevnad och styrka. Dess mäktiga budskap har inspirerat generationer och gjort låten till en av Bowies mest ikoniska verk. Oavsett tidsepok eller sammanhang fortsätter låten att resonera med lyssnare som dras till dess kraftfulla budskap om kärlek, överlevnad och mod. Låten har cementerat sig som en av de mest inflytelserika och minnesvärda i rockhistorien och fortsätter att inspirera lyssnare världen över.
6. The Pogues – Fairytale of New York
”The Fairytale of New York” är en av de mest ikoniska och älskade julhymnerna någonsin. The Pogues, tillsammans med den fantastiska sångerskan Kirsty MacColl, skapade denna moderna klassiker som inte bara fångar julens glädje utan också berättar en gripande och ibland sorglig historia om kärlek och överlevnad.
”The Fairytale of New York” släpptes 1987 som en singel och är en central del av The Pogues album ”If I Should Fall from Grace with God”. Med Kirsty MacColls medverkan skapades en duett som snabbt blev en julklassiker.
Låtens öppningsackord är inbjudande och fiolens anmärkningsvärda melodi skapar en atmosfär av nostalgi och värme. Shane MacGowans karaktäristiska raspiga röst och Kirsty MacColls klara tonalitet smälter samman i en melodi som är lika känslosam som den är festlig. Instrumenteringen, inklusive banjo och blåsinstrument, skapar en unik ljudbild som genast för tankarna till den iriska folktraditionen.
Texten till ”Fairytale of New York” berättar historien om två människor vars drömmar kolliderar med verkligheten. Sångtexten målar upp bilden av en relation som har lidit av livets hårda prövningar. Samtidigt finns där en underton av hopp och en nostalgisk återblick till bättre tider. Raderna ”I could have been someone, well so could anyone” fångar den bitterljuva insikten om de missade möjligheterna och förhoppningarna.
Denna låt förblir tidlös och aktuell år efter år. Dess förmåga att balansera glädje och sorg gör den till en mångfacetterad julhymn som inte riktigt liknar någon annan. Låten har blivit en symbol för julen och är en oumbärlig del av många människors jultraditioner. Genom sin unika ljudbild och rörande text har låten skapat en plats i våra hjärtan och fortsätter att vara en av de mest älskade och komplexa julhymnerna någonsin. I varje ton och varje ord ligger en saga om kärlek, förlust och hopp som gör att vi återvänder till den år efter år.
5. Dire Straits – Walk of life
Dire Straits, under ledning av den legendariska Mark Knopfler, har alltså skänkt världen en rad oförglömliga låtar. En som sticker ut med sin glädjefyllda ton och mångsidighet är ”Walk of Life”. Denna musikaliska pärla har överlevt tidens konkurrens och förblir en favorit bland både gamla och nya lyssnare.
Låten släpptes 1985 som en singel från Dire Straits sjätte studioalbum ”Brothers in Arms”. Den är känd för sin medryckande melodi och glädjebringande ton. Mark Knopflers unika gitarrspel och sångstil lyfter fram bandets musikaliska hantverk på ett sätt som genast fångar lyssnarens uppmärksamhet.
Låten inleds med ett karakteristiskt orgelintro som snabbt övergår till ett livligt gitarrspel. Den energifyllda baslinjen och trummornas rytmiska driv bidrar till låtens ikoniska sound. ”Walk of Life” har också känt igenkningsbara inslag av olika instrument inklusive orgel, munspel och saxofon.
Texten till ”Walk of Life” är lekfull och enkel, och den berättar historien om kärlek och glädje i livets enkla ögonblick. Med referenser till populärkulturella figurer och händelser blir låten som en resa genom olika aspekter av livet. Raderna ”Here comes Johnny singing oldies, goldies, be-bop-a-lula baby what I say” fångar den känsla av nostalgi och glädje som genomsyrar låten.
Det som gör låten så speciell är dess musikaliska mångfald. Dess förmåga att omfamna olika stilar, från rock till country och pop, gör den till en universell favorit och ett utmärkt exempel på bandets musikaliska bredd.
”Walk of Life” förblir en tidlös låt som genom åren har förblivit en favorit vid evenemang som idrottsmatcher och konserter samtidigt som den fortsätter att vara en av Dire Straits mest omtyckta verk.
Med låtens levande ton har den blivit en av bandets mest minnesvärda och älskade låtar. ”Walk of Life” står som ett bevis på musikens förmåga att förena människor genom glädjen av en enkel melodi och en lekfull rytm.
4. The Rising
Bruce Springsteens musik har alltid varit rotad i den amerikanska populärkulturen och har förmågan att beröra lyssnare på ett djupt känslomässigt plan. En sång som tydligt exemplifierar detta är ”The Rising” som skrevs som en respons på de tragiska händelserna den 11 september 2001 och blev en hyllning till räddningsarbetarna och de som drabbades.
”The Rising” är en låt som berättar historien om en brandman som förlorar sitt liv under 9/11 och återvänder (inom fiktionen) för att trösta och leda de överlevande. Den skildrar sorg, längtan och det möjliga hoppet om återuppståndelse. Raderna ”May your strength give us strength, may your faith give us faith” är en uttryck om styrka och hopp som genomsyrar hela låten.
”The Rising” är en central del av Bruce Springsteens album med samma namn, som markerade hans första samarbete med The E Street Band sedan mitten av 1980-talet. Albumet skapades alltså som en respons på de traumatiska händelserna i samband med 9/11 och innehåller låtar som belyser sorg, förlust och hopp i en tid av mörker.
Låten öppnar med en stränginstrumentation och Springsteens karakteristiska röst som ger en känsla av allvar och vördnad. Musiken bygger gradvis upp och när körerna sätter in så skapas en kraftfull och enhetlig ljudbild. Gitarrsolot mot slutet av låten är känslosamt och symboliserar en sorts frigörelse från sorgen.
”The Rising” blev snabbt en symbol för hopp och återuppståndelse efter 9/11. Den framfördes vid olika minnesceremonier och hyllningar och blev en tröst för många som sörjde förluster. Låten vann flera priser, inklusive en Grammy för bästa rockalbum, och cementerade sig som en av Springsteens mest kraftfulla verk. Genom låtens rörande text och melodi har låten blivit en symbol för hopp och solidaritet. ”The Rising” är en påminnelse om den upplyftande förmågan av musiken och dess förmåga att för människor samman i svåra tider.
3. The Who – Baba O’Riley
Inom rockmusiken finns det låtar som inte endast överlevt tidens tand utan också blivit tidlösa klassiker. ”Baba O’Riley” från 1971 är ett sådant exempel som öppnar med en av de mest ikoniska synth-introarna i rockhistorien. Låten en av de mest kända exemplen på The Whos förmåga att förena rock med konstnärligt experimenterande.
Texten till ”Baba O’Riley” skildrar en generation av ungdomar som letar efter frihet och en plats där de kan vara sig själva. Raderna ”out here in the fields, I fight for my meals, I get my back into my living” fångar känslan av strävan och motstånd mot konventioner. Låten uttrycker en känsla av frustration och längtan efter något mer, vilket gjorde den till en hyllning till den motkulturella rörelsen på 1970-talet.
Keith Moons dynamiska trumspel och Roger Daltreys karaktäristiska sångstil smälter samman med John Entwistles pulserande baslinje på ett sätt som omgånende fångar lyssnarens uppmärksamhet. Låtens övergångar och explosiva refräng gör den till en mästerlig prestation i ljudarkitektur.
”Baba O’Riley” har inte bara varit en favorit bland rockfans utan har också blivit en del av den bredare populärkulturen. Låten har använts i filmer, TV-program och reklamkampanjer och har blivit en symbol för rebellisk anda och ungdomlig frihet. Dess inverkan sträcker sig långt bortom musikens värld och har cementerat sig som en av de mest framstående låtarna från sin tidsålder.
Trots att imponerande 50 år har passerats sedan låtens utgivning så förblir dess relevans aktuell. Låtens energi och uttrycksfullhet gör den till ett verk som ständigt introduceras till nya generationer av musikälskare. Den rebelliska andan och längtan efter frihet som låten förmedlar är tidlös och uppskattas av människor från alla åldrar.
Sammanfattningsvis är ”Baba O’Riley” en av de största skapelserna inom rockmusikens historia. Genom sitt unika ljudlandskap och djupa text har låten blivit en tidlös klassiker som fortsätter att inspirera. ”Baba O’Riley” är inte bara en sång utan en kulturell ikon och ett mästerverk inom rockens rika arv.
Lite kuriosa är att namnet ”Baba O’Riley” är en hyllning till den indiska läromästaren Meher Baba och kompositören Terry Riley som inspirerade Townshend till detta verk och förklarar alltså varför låten inte betecknas som det mer förväntade ”teenage wasteland”.
2. The Fureys – Green Fields of France
En klangfull hymn till de förlorade hjältarna
”The Green Fields of France”, framförd av The Fureys, är en sång som bär med sig en känslomässig tyngd och en hyllning till de modiga soldater som offrade sig för frihet och rättvisa. Denna gripande ballad, skriven av Eric Bogle, har blivit en klassiker som inte bara berör utan också belyser de eviga frågorna kring krigets meningslösa verkningar.
”The Green Fields of France” släpptes 1976 som en del av The Fureys album ”The Green Fields of France”. Sången skrevs av den australiske sångaren och låtskrivaren Eric Bogle och har sedan framförts av många artister medan The Fureys version har utmärkt sig som en av de mest gripande tolkningarna.
Låten inleds med en enkel akustisk gitarr och en mjuk, sårbar sång av The Fureys. Det stillsamma ljudlandskapet skapar en atmosfär av eftertanke och respekt. Sången byggs gradvis upp genom instrumenteringen av bläckflöjt och stränginstrument, vilket ger den en traditionell keltisk känsla som förstärker dess känslomässiga laddning.
”The Green Fields of France” berättar historien om en ung soldat som dog under första världskriget. Sångtexten reflekterar över meningslösheten i krig och ifrågasätter varför unga människor måste offra sina liv. Raderna ”And did they beat the drum slowly, did they play the fife lowly, did they sound the death march as they lowered you down” väcker känslor av sorg och saknad samtidigt som de hyllar minnet av den unga soldaten.
Sedan dess släpp har ”The Green Fields of France” blivit en av de mest kända och hyllade antikrigslåtarna. Den har använts vid minnesceremonier och har blivit en symbol för dem som har offrat sina liv i krig. Låten har också inspirerat många artister och lyssnare att reflektera över krigets verkliga kostnad i mänskligt lidande.
Låtens budskap om krigets grymhet och meningslöshet har hållit sig relevant genom åren. ”The Green Fields of France” tjänar som en påminnelse om att hedra och minnas de som har förlorat sina liv i strävan efter fred och frihet.
”The Green Fields of France” av The Fureys är mer än bara en sång och utgör en rörande berättelse och en hyllning till de förlorade hjältarna. Genom dess enkla skönhet och kraftfulla text har sången skapat en plats i hjärtat hos dem som söker förstå krigets verkliga konsekvenser. The Fureys tolkning av denna låt står som ett gripande vittnesmål om den mänskliga kostnaden för konflikter och förbli en viktig påminnelse om vikten av fred och försoning.
1. Världens bästa låt
Har du verkligen läst artikeln? Håll i hatten i så fall…
Visa världens bästa låt
1. Def Leppard – Animal!
Def Leppard, pionjärer inom hårdrocken, levererade några av de mest minnesvärda låtarna från hela 1980-talet och Animal kan vara den främsta. Medan inspelningen av albumet pågick drabbades trumslagaren Rick Allen av en bilolycka under nyårsnatten 1984 och tappade mycket olyckligt sin vänsterarm. Efter en imponerande viljestyrka, bandets välkomnande och en teknisk lösning med elektroniska pedaler till vänsterfoten kunde Rick återvända till bandet och turnerar fortfarande med Def Leppard idag. Låten släpptes sedan 1987 som en singel från Def Leppards legendariska fjärde studioalbum ”Hysteria”.
”Animal” har en tidlös dragning med sitt starka riff, medryckande refräng och Def Leppards karakteristiska sound. Låten öppnar med ett karakteristiskt gitarriff som direkt sätter tonen för låtens energi och styrka. Def Leppards signaturljud, kännetecknat av flerstämmiga sångarrangemang och ett massivt trumspel, tar över och skapar ett ljudlandskap som är typiskt för bandets 80-talsproduktion. ”Animal” levererar den intensiva och pulserande känslan som är kännetecknande för hårdrocksgenren under den eran.
Texten till ”Animal” kretsar kring betydelsen av attraktion och passion i ”lust for life”-anda. Raderna ”A wild sensation, the temptations are hard to resist” fångar känslan av intensiv åtrå och förförelse. Låtens text är poetisk och lämnar utrymme för tolkning samtidigt som den smälter perfekt samman med det kraftfulla musikaliska arrangemanget.
”Animal” blev en kommersiell framgång och nådde höga positioner på musiklistor världen över. Den blev snabbt en favorit både bland Def Leppards trogna fans och de som kanske inte var bekanta med bandet tidigare. Låten har fortsatt att vara en del av bandets konserter och har blivit en ikonisk representation av hårdrockens glansdagar.
Även om ”Animal” är rotad i 1980-talets musikscen så har dess kraft och energi gett den en tidlös relevans. Låtens medryckande natur och omisskännliga riff gör den till en låt som kan uppskattas av lyssnare över olika generationer och fortsätter att vara en av Def Leppards mest älskade verk.
Def Leppards ”Animal” är inte bara en låt utan en kraftfull resa genom hårdrockens energi och styrka inom musikskapande. Med sitt distinkta ljud och fängslande text har låten blivit en klassiker inom genren och står som ett bevis på bandets förmåga att skapa tidlös musik. ”Animal” är en hyllning till den intensitet inom hårdrocken och förblir en odödlig del av Def Leppards imponerande repertoar.
Övriga bidrag värda att nämna
The Rolling Stones – Like A Rolling Stone
Genesis – Invisible Touch
The Cure – Friday I’m In Love
Creed – Higher
Prince – Little Red Corvette
Volbeat – Heaven Nor Hell
Bruce Springsteen – Born To Run
Kenny Rogers – The Gambler
Bob Dylan – Tangled Up In Blue
Guns N’ Roses – Yesterdays
Bob Marley – Redemption Song
CCR – Who’ll Stop The Rain
Paul Simon – You Can Call Me Al
Pulp – Common People
Spellistan!
Musiken ingår i spellistan till Spotify ‣ Världens bästa låtar
Slutord
Hur ska man egentligen avnjuta världens bästa musik? På vinylskivor. Att lyssna digitalt är som att äta på McDonald’s medan vinyl är som en femstjärnig restaurang…
Vilka låtar tycker du borde funnits med på listan?
Mer från Australien Backpacker
Nya artiklar publiceras i Facebookgruppen.
Inga kommentarer än så länge. Vad tyckte du om inlägget?